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翰林当代艺术馆电话(一)
上海当代艺术馆
上海当代艺术馆“内境·外象”——姚仁喜作品展调查报告
调查人：
调查时间：2016年3月23日
调查地点：上海当代艺术馆
调查对象：姚仁喜
前言：
姚仁喜建筑师为“姚仁喜 | 大元建築工場”创始人。1975年毕业于台湾东海大学建筑系，1978年获得美国柏克莱加州大学的建筑硕士。
“姚仁喜 | 大元建築工場”台北事务所于1985年成立，并于2001年在上海成立会元设计咨询（上海）有限公司，事务所成长快速，已成为亚洲最知名的建筑设计事务所 之一。1999年，伦敦发行的 World Architecture 杂志即称姚仁喜 | 大元建築工場（大元联合建筑师事务所）为〝台北最令人印象深刻的执业表现〞，而姚建筑师则是〝带领台湾建筑界创新的要角〞。
姚建筑师除历年作品荣获众多奖项，相关荣誉、作品报导及评论等也经常刊登于国内外建筑杂志及新闻。1997年他即获台湾内政部第三届“杰出建筑师”。2005年，姚建筑师荣获他的母校—柏克莱加州大学环境设计学院颁发〝杰出校友奖〞，于2007年他成为台湾最
高之文化艺术奖项“国家文艺奖”(建筑类)第十一届得奖人，为首位建筑师以建筑类别获颁此奖者。
2009年取得中国一级注册建筑师资格。并于2014年获美国建筑师协会(AIA)授证为荣誉院士。
一、基本概况
3月23日，我与两名舍友一起去上海当代艺术馆进行社会调查。展出内容为建筑大师姚仁喜的一些作品。姚仁喜是一位来自台湾的著名建筑设计师，他的建筑充满了理性与感性的交织，每一处空间的营造都包含着丰富的空间体验与情感。
二、调研经过及内容
上海当代艺术馆坐落于上海市人民公园内。设计巧妙，大方。一进入便是一条玻璃长廊通往2楼，而展览以大元建筑标志性的橙色展墙拉开序幕，一层展厅主空间以高达两层的巨幕影像介绍姚仁喜的历年力作，我们坐在黑色座椅上能领略IMAX般的视觉震撼力。继续往前的展厅陈列的是姚仁喜大师一些出色的建筑模型。最显眼的就是姚仁喜设计的中钢公司总部。中钢总部是仿照商周时期青铜礼器中最为尊贵的四足方鼎作为设计意象，鼎居古代礼器之首，亦为商周时期权利和地位的象征，代表稳重厚实、吉祥亨通、和谐意向，引申为坚忍不拔、百折不挠钢铁韧体的意象，集合四个多面方【翰林当代艺术馆电话】
形量体，优化抗震能力外，充分表达钢力美学态度。
接着右转的展厅内展出的是姚仁喜大师的《心经》。极为震撼。黑幕空间中，搭建数十根柱子，《心经》部分经文随着音乐的节奏跃动其上。最后戛然而止。设计十分巧妙。仔细观看，才发现每一根柱子上有一个黑色的字，而白色发光的字是从头顶投影仪散发出来，随着音乐在柱子上流动，越来越快，越来越快！形成特别的视觉效果。身在其中，就像看到自己的过往，匆匆忙忙，忙忙匆匆，最后定格到现在！一如我们内在杂乱而喧嚣的思绪，直到“止”的那一
刻，寂静才出现。寂静时漂浮在空中的是“心经”的片段文字。 接着我们走上玻璃楼梯，到二楼参观，二楼的第一展厅，能看到“interview访谈“的部分，以姚仁喜建筑师的访谈、他的工作实况、他的手、他的笔、与图绘模型等为材料，对比串联他的叙事，让参访者，自行加入这个对谈的时间，自己选择所处的角度。
再往里走，就是“第九柱“，展览意象取源于八个独立的建筑设计案。透过撷取、简化、浓缩、精炼及重组的设计手法将原建筑
案的色彩、形式、尺寸、材质、设计及构造组合，转化成这八支白色柱子的实体装置。展览装置的中心，是摆脱了形体及材质以光呈现的第九柱，是永恒存在于时间与空间的支柱，也是支撑所有元素的文化及设计概念，历久弥新。
而3楼，涵盖了姚仁喜众多台湾及大陆的重点代表作品，以模型、图片等不同的方式进行呈现。如故宫博物院南院，克缇办公大楼，水月道场，乌镇剧院等
三、调查结果 姚仁喜大师擅长用建筑给予人们一个空间，并在其中流动思想，情感，建筑与人成为一种诗意的共生。姚仁喜说：“建筑就像长镜头，冷眼人类的悲欢离合。”建筑设计就像讲故事。将心灵能量转化成艺术。我想无论是平面设计，或是美术创作，让自己的作品能够讲故事，这都是我们的目标。让观众、消费者与我们能够产生共鸣。
大师的观念，给我们带来很多灵感。姚仁喜说：“建筑不是抽象出来的东西，是一个真实的、跟城市有关系的。在建筑设计上，东方的传统是做不断的修为来净化内心，而不是不断创作从未有人做过的东西——那是西方的做法。”我想，姚仁喜大师的风格，与他所崇拜的宗教信仰也有很多的关系。一语惊醒梦中人吧。在我的想法中，东方的美术作品更偏向于写意，西方更为写实，或是抽象。我想我所理解的还是太过于片面了。姚仁喜大师戳中要点，一语刺破。确实，东方的艺术更偏向于净化内心，颇具禅意。我想能够净化内心的艺术，这样的方向，这样的艺术，这样的理念，让我受益匪浅。
翰林当代艺术馆电话(二)
调研上海当代艺术馆
上海当代艺术馆调研
虽然我们这次做的是大学生活动中心的设计，但我们组这次调研了同样算是公共活动场所的“上海当代艺术馆”。
当代艺术馆(MOCA Shanghai) 是由基金会出资建造，经上海市政府批准的非盈 利且独立运作的艺术机构。上海当代艺术馆致力推广中国及全世界的当代艺术。上海当代艺术馆由具丰富策展及行政经验的团队经营管理，旨在培养人们对中国及世界当代 艺术与设计的欣赏能力，并不断推进上海与全世界之间的文化交流。
以下是参观调研提要：
1.结合实例考虑分析建筑与环境的关系如何？
答：上海当代艺术馆位于南京西路231号
上海当代艺术馆 人民公园内，环境清幽，置身上海博物馆、上海美术馆、上海大剧院、上海市政厅以及上海城市规划展示馆组成的市中心行政及文化区内。
2.结合实例分析平面组合有何特点？空间构成的方式怎样？
答：平面组合大抵采用大厅式组合大厅式组合，主体大厅使用人数多，空间高大，而与大厅相比辅助房间尺寸相差悬殊，依附在大厅周围并与大厅保持一定联系。
而空间构成方式，一楼是集中式，这个建筑面积达1000平方米的空间引人注目的设置了一条长50米的月牙形发光坡道，使得 参观这里的展览成为一种全新的视觉体验；二，三层则是组团式，馆内空间和馆外环境的融合。在这个800平方米的开放空间里，参观者能够把坡 道和艺术馆水晶形的玻璃结构尽收眼底。
3.建筑采用何种风格？如何体现高校建筑的文化特点，反映当代大学生精神面貌？
答：这关系到上海当代艺术馆的发展历史，上海当代艺术馆原址为人民公园内一个温室。在建馆过程中，保留了场馆的外部玻璃墙，场馆内部则进行大规模重建。场馆既保留其优越的自然照明条件以及公园的卓越景观，同时在增设多项设施后也满足了博物馆的专业要求，建筑风格则是现代建筑风格。
4.门厅空间流线如何组织？多功能区域的组织如何分流？
答：门厅不大，左右两边均为辅助用房，从大门进去就可以看到月牙形的发光坡道，坡道通向2层。三层算是上海当代艺术馆的多功能区域，组合型的空间构成，由玻璃幕墙围成的餐厅，餐厅外侧则是屋顶外景。
5.如何合理安排学生各类活动用房之间的关系，以及各用房与公共用房之间的位置安排？
答：因为是艺术馆，多为展厅，展厅之间位置安排也没什么规律，但是艺术馆入口的售票处以及出口的礼品店设计得较为合理。
6.卫生间位置如何？怎样布置？
答：厕所位置都在西南角，游客上厕所有点不便，而且会造成拥堵情况。
8.找出1-2个你认为设计精彩的地方，说出理由。
答：其一，这个建筑面积达1000平方米的空间引人注目的设置了一条长50米的月牙形发光坡道，使得 参观这里的展览成为一种全新的视觉体验。其二，艺术馆外墙全为玻璃幕墙，有着其优越的自然照明条件以及公园的卓越景观。
9.找出1-2个你认为设计不合理的地方，说出理由。
答：最明显的自然是厕所的布置，会造成拥堵，其他也无明显的设计缺陷。
还有几张艺术馆内部的照片：
大学生活动中心调研报告
班级：建筑122
组员：平文豪，陈国卫，叶潮州，徐忠杰 指导老师：王荟荟
这是屋顶的照片
我们可以看到钢架结构的屋顶
外墙均为玻璃幕墙保证了充足的采光
月牙形发光坡道，使得参观这里的展览成为一种全新的视觉体验
翰林当代艺术馆电话(三)
上海当代艺术馆报告
上海当代艺术馆报告
一、关于上海当代艺术馆
上海当代艺术馆(MOCA
Shanghai)
是由龚明光基金会出资建造，经上海市政府批准的非盈 利且独立运作的艺术机构。上海当代艺术馆致力推广
中国及全世界的当代艺术。上海当代艺术馆由具丰富策展及行政经验的团队经营管理，旨在培养人们对中国及世界当代 艺术与设计的欣赏能力，并不断推进上海与全世界之间的文化交流。
二、关于展览内容
漫-陈漫视觉艺术展
时间 地点 策展人
2011年11月23日-2012年2月7日 上海当代艺术馆 陆蓉之
三、展览优点
1. 简约的风格凸显艺术家独特的魅力
展览地方是在上海当代艺术馆，很符合陈漫作为当代艺术家的身份。整个展览的装扮都是很简约。没有过多的东西，她的摄影作品就是最好的装饰。进门不远就能看到摄影作品挂在墙上，一路走过去，没有其他东
西的干扰，风格简练，给人视觉享受。展览举办风格很符合这次展览的特征。 2. 主题分区人享受
主办方把陈漫的作品归类分成不同的主题，如色，味等。每一个主题都是单独分区，不同的主题在旁边都有标识，便于我们观赏。通过主题分类，也让大家能有序地观看展览，不轻易漏掉，参展过程中
有条不紊，也能让我们了解到陈漫作品中不同的风格体味。如果大杂烩似的把摄影作品摆在一起，则很难让大众有所区分。参展方甚至单独设置一间观影房让大家了解艺术家。多样的分区回旋曲折，给人一种神秘感也很好地利用起馆的空间，不至于让我人觉得很小。 3. 灯光及天花板布景耳目一新
此次展览的灯光是很是让人舒适，昏暗而又柔和，十分符合观展气氛。不同主题背景下的灯光也有所变换，主办方能够注意到这样小的细节是很好的。在通向二楼的楼梯上，边上楼还边能看到天花板上悬挂的作品，给我们又是一种独特的感受，充分利用了艺术馆的空间。 4. 人员安排合理
此次展览，从进门到每一个主题区都是安排了相关的人员一旁值班。或有提点，或有讲解。出了什么意外也能够及时处理。尽管人手不是很多，毕竟大家都来看展览，而不是来观看值班人员。但是，当你遇到什么事情时，会有人马上出来帮您解决。这一安排很是不错。
5. 票价便宜【翰林当代艺术馆电话】
展览的票价是在大众接受范围内的，日常30，夜场20，还有优惠价。票价便宜，能让我们这些普通老百姓有接近艺术家观看她们作品的机会。
四、展览缺点
1、讲解注释不明【翰林当代艺术馆电话】
展馆内，分为不同的主题分区展示，但是对于每副照片仅仅只有位于每一个区域的最开始处的照片名字，并没有注释和讲解。虽然，很多时候艺术是很难解释的。但是，
观展者多数为学生或者一般市民，对于所展物品想要表达的意义不能很好的理解。主办方应该对于参展物做一些简要的介绍，对于主要参展物详细介绍。 2、地理位置不利
上海当代艺术馆位于南京西路231号人民公园内，置身上海当代艺术馆在上海博物馆、上海美术馆、上海大剧院、上海市政厅以及城市规划展示馆组成的市中心行政及文化区内。
但是相较于上海美术馆，上海大剧院等，上海当代艺术馆位于人民公园的最深处，相对难寻。从人民广场地铁站下站后并没有明确的标志表明上海当代艺术馆的位置。到达人民公园入口，也没有醒目的标识。经过询问，从人民公园入口进入，经过漫长的曲折小路，最终才能到达目的地。
虽然，艺术需要一定的氛围，但是我们认为，上海当代艺术馆没有很好地利用其位于南京西路的地理位置，导致了其地处难寻的结果。 3、规定有名无实
在展馆的入口处，我们可以看到展馆的一些规定。
关于照相
馆内仅允许个人使用的相片摄影。不允许使用闪光灯及三角架。在未经艺术馆同意的情况下 不许复制、发行或出售相关的照片或录像。 食物与饮料
参观者可在馆内餐厅用餐，馆内不允许带入食物与饮料。
但是，馆内使用闪光灯的照相依然络绎不绝，工作人员也没有即使得进行阻止，对于外带食物与饮料工作人员也没有作出相应的检查。 4、食物餐饮价格昂贵
相较于观展门票的价格低廉，能够被学生和一般市民接受，三楼餐饮的价格就显得过于昂贵。虽然凭门票可以抵扣20元餐饮费，但120元的套餐性价比实在不高。
五、总结
总的来说，我们认为这次陈曼个展还是比较成功的，让观展者体会到了照片所带来的冲击力，以及陈曼个人的艺术天分。但在与细节方面还有进步的空间，有待加强。
翰林当代艺术馆电话(四)
世界最大当代艺术馆SFMOMA 开馆展出Gap品牌创始人之艺术收藏
旧馆翻新成为世界最大当代艺术馆 旧金山当代艺术博物馆的本次开幕展总共展览1900件艺术作品，总展示面积从原来的6，500平方米扩展至16，000平方米，约三倍之大，一鸣惊人地成为世界上最大的当代艺术馆！而博物馆的经费则来自多方面大公司和私人的慷慨赞助和捐款。
博物馆底楼和二楼展厅免费对外开放。三楼以Pritzker家庭基金会命名的摄影展馆和摄影研究中心收藏了17，800张照片，是美国最大的展览中心用来专注于研究摄影这个艺术媒介。三楼至七楼有临时展览和永久收藏展厅。
SFMOMA尤其重视公众教育，整个博物馆免费为18岁和以下的人士开放，经常举行许多讲座与艺术家见面等活动，在七层专门有一大间工作室将艺术家把工作过程、所用的材料展示给大家。
旧金山邻近世界知名高科技公司（如谷歌、苹果、Facebook等等），与硅谷只有开车一小时距离，利用高科技和社交网络也是新馆的特色。整个馆内有免费wi-fi，每件作品都允许参观者拍照，三楼咖啡厅旁边还有运用电脑和互联网，供参观者们创作随意发挥。
最大捐赠者――Gap时装店老板费雪夫妇
说起新馆提案的缘由，不得不提及世界十大收藏家（艺术新闻杂志ARTnews的公布）、知名时装店Gap老板费雪夫妇（Donald and Doris Fisher）。SFMOMA有1100件作品来自这对夫妇30多年的精心收藏，全部以100年的租用期提供给SFMOMA展览。
这次新馆开幕时展出了其中来自68位艺术家的260件作品。仅仅艺术家Ellsworth Kelly的作品就占用了整整四大间展厅，还包括美国艺术家Sol LeWitt的24件作品，德国艺术家Gerhard Richter 23件作品和美国艺术家Andy Warhol的21件作品。到处逛一圈后，我们眼中的整个开馆展，堪称大气磅礴，分量十足。
说回费雪夫妇的收藏吧。他们开初也是启始于爱好而已，但后来两人完全为艺术所着迷。从上世纪70年代开始，他们不断旅行去不同地方会见艺术家、去寻找他们喜爱的艺术。很快，Gap总公司的大楼里也放置了许多大件的艺术品。
多年来，两人坚持不聘用艺术咨询人士，而一直用自己的艺术欣赏理念来收购艺术。费雪先生尤其钟爱体积大而有分量、富有震撼力的艺术作品，收藏的艺术家们包括Andy Warhol， Alexander Calder and Roy Lichtenstein， Ellsworth Kelly， Gerhard Richter， Anselm Kiefer， Chuck Close。
在SFMOMA项目之前，费雪夫妇曾计划在旧金山的Presido地区专门建造一座现代艺术博物馆来容纳他们的收藏。在2007年8月8日，费雪夫妇曾公开了这个近1万平方米的博物馆的计划，暂名为Presido当代艺术博物馆。如果这个博物馆建成，会比SFMOMA更大。可惜的是这个计划引起旧金山一些历史保护者广泛的猜疑最后没有被通过。
2009年7月，费雪宣布放弃建造博物馆，当年9月26日费雪与SFMOMA签署合作展览他们收藏的世界级艺术品，终于安顿了一桩心头大事。而在第二天，9月27日的早晨，费雪先生在家中病逝。
费雪的儿子Bob在新馆的新闻发布会上说了一个故事，在他父母家里，一直都放着他们珍爱的艺术品，其中德国艺术家Gerhard Richter的《两支蜡烛》特别让两位眷恋，每年夏季当费雪夫妇要去别处度假时，父亲会小心翼翼地拿下作品，放入他们的大车厢里，然后在度假屋里又亲自恭恭敬敬地将之挂在墙上。
在预展上，笔者还见到了年近古稀的费雪夫人Doris，我对夫人说希望有机会可以在中国看到你们的收藏品，Doris当时开朗地说“如果中国的艺术馆有兴趣，可以与SFMOMA联系”，她也期待有这一天，让世界上更多的人们可以欣赏到他们夫妇的艺术收藏。
不称心的购物经历打造了一个时装帝国
热爱艺术的Gap老板费雪出生在加州的一个中产阶级犹太家庭，父亲Sydney是造家具的工匠，母亲Aileen是商人。费雪是第三代旧金山人，他的曾祖父1860年代从纽约来到旧金山，正在淘金潮改变加州10年之后。
从他父亲那里，费雪学到了经营生意的细微差别，父亲鼓励他去冒险。“改变或失败”成为费雪最有名的语录之一。他认为母亲艾琳是个能干实在又充满爱心的女人，她常常鼓励孩子们做出实际聪明的决定。费雪记得很清楚母亲传授了他，并让他终身受益的表达方式：“能说行的时候不要说不。”
1951年加州大学伯克利分校毕业，取得工商管理学院的理学学士学位，大学期间，他参与了游泳队和水球队。毕业后，他任美国海军预备役军官。之后随父亲在L&E Emanuel 公司当家具工。公司是他的曾祖父创办的，主营橱柜制作。之后他的母亲继承了工厂。 1960年代，费雪开始了装潢酒店的创业。他买下了在加州首府Sacramento市的国会公园酒店，尔后把店铺租给了当时大名鼎鼎专卖休闲衣服和牛仔裤的Levis公司。
但他成为一位时装帝国的大老板则缘起于当年买一条牛仔裤未能得到称心满意的经历。故事是这样的：
费雪在自己出租给Levis的商店里买牛仔裤，但是没能找到合身的尺码，他的夫人Doris跑了好几家店也都找不到他的尺码，于是费雪和夫人看准了市场的需求和缺陷，自己开了一家零售店，除了卖牛仔裤外，也卖音乐专辑和录音带。零售店的起名为Gap，意为代沟，专门吸引12到25岁的年轻人。
1972年，费雪发布Gap商标，成为了零售业史上第一个将店名作为品牌的连锁。Gap的成功轰动一时，1973年就上市了。他们还买下了Banana Republic（小型邮寄订单的商店）、建立了Old Navy品牌。4年之后，销售额涨到10亿美元，3100家分店开遍美国和25个国家，其中包括中国。
费雪到1995年一直出任CEO，到2004年出任董事长，直至去世他仍是公司的董事和荣誉主席。除了艺术收藏，费雪先生还是位慈善家，热衷于特殊教育和旧金山湾区的公益事业。
耳目一新的持久性绿色建筑
SFMOMA新馆共有43000平方米的面积，上下有十层楼，除了最顶上三层楼是行政工作外，其余七层楼都是对外开放的展厅，是在原有的建筑上建造的新馆。
Sn？hetta设计公司不是一个传统理念的建筑公司，而是一家总部设置在挪威奥斯陆，有着25年历史的前卫设计公司。擅长将建筑、景观、室内、家具、平面和品牌设计融为一体的设计公司，在创立合伙人Craig Edward Dykers带领下历时7年为SFMOMA做了全方位的设计。
在4月28日媒体预展当天，笔者由资深项目设计师Aaron Dorf先生带领参观了崭新的博物馆。至今Sn？hetta在中国还没有项目和工作室，但是期待将来如果有合适的项目，他们一定会有兴趣来中国参与。Sn？hetta虽然在中国不是很有名，但是它已经赢得或已经设计了许多大名鼎鼎的项目，比如在埃及的亚历山大图书馆、纽约市9・11纪念馆、纽约时代广场的扩展设计、加拿大的卡尔加里公共图书馆、奥斯陆的国家歌剧和芭蕾舞院等重大项目。
新的博物馆正在申请获得美国联邦绿色建筑委员会认证金奖（LEED Gold），此奖为绿色建筑最高认证。整馆的照明全部采用LED节能灯，此举也是SFMOMA在积极坚持节能、环保、可持续性建筑的领先地位。
许多设计细节都非常到位，就连洗手间也运用了非常戏剧性的颜色来营造气氛。笔者非常喜欢接地气用杉木做的地板和楼梯，长条浅黄色的实木条散发出来自大自然的温暖，但又不失简洁明亮宽敞的感觉。SFMOMA的总监Neal Benezra先生在预展演讲中鼓励大家在参观时不要用电梯，尽量走楼梯来浏览博物馆，这样可以更直接地领悟到设计师们的用心。
大多数传统博物馆的设计是闭塞的看不到外面的世界，长时间在室内看艺术品会让参观者感到闭塞以致厌倦。Sn？hetta的设计师们很用心地将城市的景色和画廊融为一体，敞开的画廊外墙时不时有巨大的玻璃窗，让参观者们在里面看到窗外的阳光、云雾（旧金山时常被雾笼罩）和海市蜃楼。
在三楼的雕塑平台上，有一堵世界上最大的公共空间生物墙，墙上种植着21个当地种类的19，000种植物，运用再循环的水，是一堵垂直永远在变化的花园墙壁。当人们站在平台上时，还可以欣赏户外雕塑、呼吸室外空气和远眺城市风景。而将室内和室外风景贯穿在欣赏博物馆的过程里，这是建筑师最创新的设计要素。
翰林当代艺术馆电话(五)
当代美术馆建筑内部空间设计要素
进入中国招生考试网 当代美术馆内部功能空间构成及功能理念的拓展
圣彼得堡的艾尔米塔什博物馆堪称世界上最早的专门的美术博物馆，建于1764年，接踵其后的是法国巴黎卢浮宫。那个时期的美术馆强调的是藏品的文化价值与其社会地位。到1974年，国际博物馆协会将博物馆，美术馆的定义转向发展服务与向公众开放，其职能在收藏与展示基础上扩展了教育、研究、交流等内容。然而这时候的博物馆，美术馆代表的仍然是专业及少数人员的权威，是一个严肃且令人沉思的教诲的场所，其主要职能重点还是围绕收藏、展示、教育、研究的工作。这样的定义与职能的限定使得美术馆建筑空间乏味刻板。进入20世纪，随着大众消费以及信息爆炸时代的来临，美术馆面临着前所未有的挑战，它必须打破常规，改变沉静以及中规中矩的形象，丰富自身功能需求，成为具有吸引力的，可以被大众消费的，并且能够与其他休闲娱乐场所相抗衡的地方。这样的理念转化必然对美术馆建筑空间的影响巨大，以至美术馆建筑内部功能设置与分布产生深刻的变革。
首先，大众消费的要求促使美术馆拓展其娱乐服务内容，满足公众的文化需要。如烹制不同风味食品的餐厅、使参观者能够休息闲聊的咖啡厅、可以选购商品的特色礼品店与书店等成为当代美术馆不可缺少的空间内容。此外，除了这些当代美术馆设置相对独立且固定不变的功能空间外，许多美术馆会将场馆租用出去，以便举办音乐会、酒会、时装发布会等商业活动。这就要求当代美术馆在空间布局上既要考虑日常的展览事务，又要兼顾临时性商业活动，使空间更具灵活与多用性。这些功能空间的设置一方面可以为美术馆的经营带来更大的经济效益；另一方面，丰富了美术馆的外延，使美术馆的展览与活动能够深入人们日常生活，甚至成为当地的社交空间。其次，当代美术馆功能需求还包括信息查询设施、安全停车场、空间内供参观者休息的座椅、清洁的卫生间以及残障人士设施、家庭活动场所、婴幼儿服务等基础性服务功能内容。商业服务娱乐功能以及基础性服务设施集中体现了当代美术馆各种愉悦体验的需求，它促使当代美术馆从内容到形式都得到了改观，并向生动性、趣味性转变。
2013年博物馆主题定义其教育职能为“非正式教育机构――博物馆以娱乐形式开展教育活动；博物馆是启蒙教育之所，但并没有长期持续构建知识体系的义务”。美术馆作为博物馆的分支，其教育的功能当然也不仅仅在于“教”。当代美术馆提倡寓教于乐以及休闲教育的理念。这样的理念强调空间氛围和整体环境的生动与趣味性，注重布展形式的灵活以及观众与展品的互动与交流。如慕尼黑现代艺术绘画陈列馆在开敞的大厅空间将宽大的踢步走道设置为供参观者休息之用；纽约现代艺术博物馆在中庭设置可以使人直接躺卧的宽大的软垫；赫尔辛基当代艺术博物馆将其中一个展厅地面铺满地毯，使参观者能够躺在地毯上欣赏墙上的多媒体展示；北爱尔兰W5展馆专门设置了一个可以展示当代艺术品制作过程的参观室。当代美术馆教育理念的丰富与革新，回应了汉斯.乌里奇.奥布里斯提出的展览应该具有的波动性与开放性，这也直接促成了当代美术馆空间布局的包容性。
多义性的空间形态
1.装置意义的空间
“装置”一词中的“装”是指将构成物件的元素进行组构或者重新定义，建立新的系统，它就好像整体中的一个零件。而“置”是指将这些零件放置在一个精确联动的秩序构架之中，在这个构架中，“装”的元素相互咬合联动，并发生关系。
当代美术馆建筑空间就仿佛这样一个“置”，在这个构架中艺术品、参观者、场地空间之间相互发生着微妙的关系。早在1910年，美国潘神博览会上的景点简介中就有这样的导言：“请记住，当你一跨进门，你就已是被展示的一部分了！”。赖特在设计纽约古根汉姆博物馆的内部空间时，也同样考虑到了这种人与人，人与空间的关系。整个展厅呈螺旋式上升，既是走道又是展厅的空间，使参观者在欣赏当代艺术的同时，也能彼此间形成互动。这表明，当代美术馆内部空间呈现的这种装置性重要的是基于人的体验，而不是展品本身。当空间、展品与人同时参与到当代美术馆的整个场景中，这时的当代美术馆空间成为了一个无时无刻不在变换的过程，在其中发生的事件，动态的创造以及未知的体验都将丰富这个“装置”框架。观众在其中获得前所未有独特体验的同时，展品也得到了全新的呈现与诠释。
此外，当代美术馆的策展人或管理者专门委托一些艺术家为展览空间“量身订做”艺术作品，更加突显了当代美术馆空间的装置性艺术特征。
2.中性特质空间
当代美术馆空间的“中性特质”代表了它的“中立”态度，不参与展品的评判与诠释，使美术馆空间成为平等及自由交流的平台，参观者对艺术品的解释与体会有自己的态度，不需要外界强行干扰。中性特质的理念发展出了美术馆内部空间设计的一般特征，最具代表性的是美国建筑师古德温和斯东于1939年设计建造的纽约现代艺术博物馆（MOMA）。其内部空间开创的“白色立方体”成为当时的范例，并沿用至今。这样的设计理念做到真正将空间还给参观者与艺术，并确立了鲜明的观点，即向观众提供鉴赏艺术作品的空间场所是第一位的，为此，甚至不需要表现任何建筑空间形象。另一方面，这种“白色立方体”的空间带给人们双重感受，既简单又复杂；既有有游戏般的活泼，又有哲学般的思考。这是将深刻的思索以轻松的方式表达，同时也与当代艺术如出一辙。
当代美术馆建筑内部空间不同于一般公共建筑，它的空间性质以及呈现的形态是与当代社会、文化生活、艺术潮流、公众喜好紧密联系的。它的最终目的是如何更好的包容当代艺术的开放性、多样性，并积极融入人们的日常生活，形成一个公众平等沟通交流的文化艺术空间。
翰林当代艺术馆电话(六)
浅论当代美术馆中的多义空间
摘要：本文从当代美术馆的功能入手，简要分析了当代美术馆中多义空间产生的必然性，结合世界当代美术馆案例，对美术馆中多义空间的类型及设计手法做了归纳研究. 关键词：美术馆；当代艺术；多义空间；展示空间；公共空间
1.当代美术馆多义空间出现的必然性
美术馆（gallery；galleria）即画廊，是一种历史悠久的建筑样式，起初的确是以一种走廊的形式存在的。图卢兹中世纪学者波纳迪勒斯（Bernardus Guidonis）指出：“画廊”其实就是普通的“通道或走廊”——将艺术品错置于走廊的柱间，有利于形成一种行进中的观感。在古罗马，画廊起初是存在于住宅内的，因为当时的住宅中大量存在这种“有柱的走廊”空间.抛开 “柱廊”这一建筑语言，作为其抽象形式的长方形白盒子这种经典的基本展厅形式仍然是展厅空间模式的主流。
相比传统的单一功能的美术馆，当代美术馆的功能美术馆的功能日趋复杂化，综合化。其空间粗略的分为公共空间-展览空间-办公空间三部分。然而在实际中，这三种空间中的某一种同时也有可能兼其他类型空间的性质，呈现出一种功能性质上的多义性和可变性。之所以呈现出这种变化趋势，与当代美术馆中参观主体行为的多样性与展品种类、展示方式的多样性密不可分。
传统的艺术品大多是指架上绘画和雕塑品这两类。然而随着当代艺术的发展和艺术作品定义的不断丰富，今天的艺术展品已经远远不止传统架上绘画者一种形式了，艺术品已经拓展至千差万别的多种分类，如装置，影像，声音乃至行为艺术等，并且作品的尺度，物理性质也存在很大差异，传统单一的画廊已经远远不能适应这种需求。
从另一个方面看，参观者的来源、心理、行为也越来越多元化。美术馆的参观者大体上可以分为艺术从业者和普通市民——他们之所以来到美术馆，主要目的是为了来看艺术品，但也有可能仅仅是来休闲，打发时光。在这个参观的过程中，美术馆的物理构成对其行为具有很大程度上的反应和干预作用，而其具体手段的表现形式之一就是多义空间的灵活运用。
2.多义空间的类型与设计
笔者曾经参观过国内国外的几个著名美术馆，结合世界当代美术馆的几个经典案例，对美术馆中的多义空间的具体设计手法做简要的分析。
2.1公共空间中交通空间的多义性。交通空间的基本属性只是单一连接两个点的一条直线。复杂的交通也是诸多这些直线的集合，用于连接平面上的各种功能和竖向上的各层，呈现出单一性和方向性。然而参观者来到美术馆的目的是要来获得连续的不同的有意思的体验，单一功能的交通空间仿佛是完整观展体验一个顿号，且简单处理的交通空间——水平的通道，竖向的楼梯——与其他类别的建筑并无二致——这与美术馆本身的气质是格格不入的。所以我们看到，某些功能完备，设施齐全，设备高端的美术馆，其基本功能没有任何问题，但各个空间的衔接显得索然无味，人按照既定的线路进入美术馆，穿过空荡荡的中庭空间，按照线性路径穿过各个展厅观展；一层看完了，再爬一层楼梯上至上一层继续这个过程……一条流线虽然完成了，但没有任何诗意和趣味性。
与之相反，我们也看到一些美术馆打破概念上的限制，灵活利用交通空间的案例，例如上海当代艺术馆，其中庭内部的一组楼梯设计的具有节奏感和趣味性，其中包括较宽的用于步行的台阶和较长的自动扶梯，与此同时，较宽的台阶同时也用于布展，比如设置与人同尺度的雕塑与观众产生互动；并且在上至半层处设置了一个开放的展厅，这样，人在不知不觉中来到二层继续观展，原本的交通空间的基本属性被消解了，层的概念也弱化了。
2.2公共空间和展示空间的融合。基本的、僵化的公共空间和展示空间之间存在明晰的界限，与此相对应的参观活动也被限定在进入公共空间——线性观展——回到公共空间进而离开美术馆的基本模式下。当然出于对展品物理环境的考虑，有必要限定出明确的“房间”，从美术馆参观活动的特点来讲，也有必要设定一条明确的、流畅的交通来组织并不熟悉美术馆内部空间结构的参观者的流线，然而由于个体的差异性和彼时具体情况的差异性，无法排除某些人群对于冗长的单一的观展过程的排斥心理和疲惫状态，所以改进的空间模式应该是：主要公共空间——次级公共空间——展示空间。其中次级公共空间可以是交通空间，也可以是展厅与展厅之间的小型内庭院，其作用是为一段或若干段观展体验做一个留白，留下思考或休息的余地，但需注意的是，其空间应当具有一定的诗意或趣味性，比如设置一个漏窗借景；设置一组与美术馆气质相吻合的家具以供人休憩；或者直接开向主要公共空间，从另一个视角观看展品甚至空间本身等等。建立在此种基本概念之下的处理手法千差万别。比如贝聿铭的美秀美术馆，以近乎夸张的方式故意在两个独立的展馆（两段相对独立的观展体验）之间设置了一段玻璃长廊，“逼迫”参观者观赏山中的美景——其实美景也是“展品”的一部分。妹岛的金泽21世纪美术馆，展厅散布于完型的圆形建筑体量内，展厅之间的空间自然形成了公共空间——它是交通空间，同时也可以是休憩空间，定义暧昧含混，从而使观展者在游走中保持松弛、自由的心境——这与其“面向市民的美术馆”概念不谋而合。
2.3外部公共空间和内部公共空间及展示空间的融合。其基本概念是引入室外环境作为临时公共活动空间或者临时展示空间。室外空间被自然包围，相比室内空间，它能够更为敏感和直接地感受到自然界的光影、气温、气候、地形、植物、大气流动、昼夜明暗的变化。适应于自然变化的种种，参观者的活动、心情也随之而变；展品也会随着外部环境的变化呈现出迥然相异的表情。例如上海当代艺术馆的屋顶，舒适的天气可以作为室外展场，也可以作为观景台远眺世博园的风景；夜晚可以做为举行舞会、聚会的场所；雨天可以坐在屋顶的玻璃小酒吧内聊天观景等，其活动的种类具有多重可能性。又如妹岛和西泽的蛇形画廊，它已经彻底抛弃了“画廊”的基本模式，仅仅是若干纤细的柱子支撑一个异形的镜面屋顶，没有围墙，参观者可以全方位、多角度的任意进入画廊；展品的摆放也没有任何束缚，可以摆放在画廊“内”的任何位置，一切都是松弛的、自由的，画廊全然成为自然的一部分，虽然这个建筑并不能算作严格意义上的美术馆，但是在概念上，其手法却是相当温婉但有力的。
2.4 展品与展示空间的冲撞与对话。前文已述，当代艺术作品形式上呈现出多样化的特点，其布展的形式也越来越繁杂。单一的、同一层高、同一形状、同一质感、同一氛围的展厅已经远远不能满足需求了。对于艺术品来讲，美术馆更像是一个舞台，多种多样的艺术品在这个舞台内大展拳脚，它们可能悬挂于天花上；也可能“站立”在墙壁上，还可能攀附于过道，楼梯上，甚至“无视”楼板的阻隔，穿层而过；或是借助展示空间的特性——狭小的，低矮的，高大的，明亮的，黑暗的，镜面反射的，异形的——来完成作品本身意义的阐释……在此种背景下，“展示空间”这个概念的外延已经不再局限于方方正正的、用围墙界定的展厅，而是扩展为美术馆内任何公众可达的空间，展品有可能在不经意间从任何一个位置、任何一个角度出现。展示空间的定义模糊了，但观展行为的内涵却在此过程中无限延展。
3.结语
中国的文化艺术普及之路还有很长很艰难的路要走，在这条艰难但是光明的道路上，美术馆责无旁贷地扮演了一个引导者的角色。美术馆建筑作为艺术活动的核心和载体，必须从学院派的神坛上走下来，用开放、包容的姿态迎接市民，用自由、宜人、趣味盎然的空间吸引住市民，用谦逊但有力的气场感染市民，才能最大化的发挥出美术馆的社会价值。
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